Ausstellung vom 19. August bis 8. Oktober 2010
Öffnungszeiten: Do-So, 13-19 Uhr

Weitere Informationen unter Ausstellung: Funk Now!

Eine Kooperation mit Radio Blau, gefördert durch die Kulturstiftung des Freistaates Sachsen, dem Kulturamt der Stadt leipzig und unterstützt durch die Filmgalerie Alpha60.

compiled and performed by Danny Snelson

Thursday, 2nd September, 9 pm, D21 Kunstraum Leipzig
Demmeringstr. 21 (Lindenau)
4/5 Euro

There is a magic in the way bits have translated our celluloid. Much more than simply reproduce films in digital formats, database culture has fundamentally reconfigured this century’s visual history. From the LCD screen of your personal computer, Vito Acconci becomes an intimate vlogger, George Brecht reveals himself to be an RGB specialist, Tehching Hsieh dances to a glitch-hop soundtrack, Paul Sharits investigates Adobe Flash vectorization, and Richard Serra contemplates the recursive distraction of contemporary network communication. Rather than attempt to mentally project these digital objects back onto the silver screen, if we stop to consider what we are actually seeing in our browsers, we may discover a horizon radiant with possibility embedded within the films themselves.

Editor and archivist Danny Snelson presents his ongoing research into digital remediation and the network culture facilitating online screening environments. Patching together flash versions of classic avant-garde films, personal desktop browser narratives, live typing procedures, database poetry, and new media lectures, Although You May Start Out Looking for a Yellow Sky You May Prefer a Pink One Once You See It explores the manifold implications of a cinematic culture undergoing a rapid and enigmatic process of media translation. The two panel projection will be expanded by a console streaming a live video chat with Snelson, who will be available for questions before and after the screening.

Danny Snelson is a writer, editor and archivist happily located in Astoria. His online editorial work can be found on UbuWeb, PennSound and Eclipse. He works with Alejandro Crawford as Ex Libris and with James Hoff as No Input Books. Screenings, readings, lectures, and performances at Semiospectacle, Centre Pompidou, Dispatch Bureau, Ontological Hysteric Theater, Subtext Series, D21 Kunstraum Leipzig, Capricious Space, CRG Gallery, Lisa Cooley Gallery and with free103point9 Transmission Arts. Recent projects include Simultaneously Agitated Space (Mimeo Mimeo #3), Endless Nameless, my Dear coUntess, Equi Nox, The Book of Ravelling Women, No-Body Zone, Noise!2010 and Edit: Performing Network Publishing (with Tan Lin).

ALTHOUGH YOU MAY START OUT LOOKING FOR A YELLOW SKY YOU MAY PREFER A PINK ONE ONCE YOU SEE IT

zusammengestellt und vorgetragen von Danny Snelson

Donnerstag, 2. September, 21:00 Uhr, D21 Kunstraum Leipzig
Demmeringstr. 21 (Lindenau)
4/5 Euro

Es liegt ein Zauber darin wie Bits unser Zelluloid übersetzt haben. Vielmehr als nur das Reproduzieren der Filme in digitaler Form, hat die Datenbank-Kultur die visuelle Geschichte dieses Jahrhunderts fundamental rekonfiguriert. Auf dem LCD-Bildschirm deines eigenen Computers wird Vito Acconci ein vertrauter Vlogger, George Brecht entlarvt sich selbst als ein RGB-Spezialist, Tehching Hsieh tanzt zu einem Glitch-Hop-Soundtrack, Paul Sharits untersucht die Vektorisierung von Adobe Flash und Richard Serra überdenkt die rekursive Ablenkung zeitgenössischer Netzwerk-Kommunikation. Eher als der Versuch diese digitalen Objekte mental zurück auf die Leinwand zu projizieren, wenn wir aufhören zu betrachten, was wir wirklich sehen in unseren Browsern, werden wir einen Horizont entdecken, der voller Möglichkeiten strahlt, die selbst in den Filmen angelegt sind.
Der Cutter und Archivar Danny Snelson präsentiert seine stets fortschreitende Recherche über die digitale Sanierung und über die Netzwerk-Kultur, die Plattformen für Online-Filmvorführungen ermöglichen. Flashversionen klassischer Avant-Garde-Filme zusammenfügend, persönliche Desktop-Browser-Erzählungen, Live-Tipp-Verfahren, Datenbank-Poesie und Neue-Medien-Vorträge, Although You May Start Out Looking for a Yellow Sky You May Prefer a Pink One Once You See It untersucht die vielfältigen Implikationen der Kinokultur, die einen rapiden und enigmatischen Prozess der Medienübersetzung durchmacht. Die zweiteilige Projektion wird durch ein Live-Video-Chat mit Snelson erweitert. Snelson wird vor und nach der Filmvorführung für Fragen zur Verfügung stehen.

Montag, 30.08.2010, 21 Uhr

Prawatt

+ Support: hansen_windisch

Einlass: 20.00 Uhr

Eintritt: 3 EUR

Ort: essential existence gallery, Westwerk, Tor B, Karl-Heine-Str. 93, 04229 Leipzig

Ein Kooperationsprojekt der essential existence gallery und dem D21 Kunstraum Leipzig.

Prawatt fanden sich 2004 in Gdańsk zusammen und widmen sich der improvisierten experimentellen Musik. Dabei widersetzen sie sich einem aktuellen Trend – die jungen Musiker verzichten völlig auf Computer und erzeugen ihre Klänge ausschließlich analog. Hilfsmittel sind selbstgebaute Maschinen, die zum Teil bereits in den Achtzigerjahren für das Kult-Kunst-Kollektiv TOTART im Einsatz waren. Hinzu kommen Gesang, Gitarre und Plattenspieler, deren Geräusche wiederum von Automaten verzerrt werden. So kommen aus den Lautsprechern psychedelische Soundscapes mit rauen bis grotesken Einsprengseln.

Ihre eigensinnigen Klangbasteleien verewigten die drei Herren bisher auf sechs Alben. Mit ihnen konnten sie sich nicht nur für Auftritte in London und im Vorprogramm von KMFDM empfehlen, sondern auch namhafte Musiker wie Jerzy Mazzoll (bekannt von den Leipziger Jazztagen 2009) für gemeinsame Projekte gewinnen.

Besetzung: Piotr Jachowicz (Perkussionsautomat), Karol Schwarz (Gitarre, Gesang, Generatoren) und Szymon Albrzykowski (Grammofone und Generatoren)

Das Duo hansen_windisch, bestehend aus Bodo Hansen Daniel Windisch, rekrutiert sich aus der alternativen Lindenauer Kunstszene. Die Musiker haben sich bisher bei Wenzel & the Dashingtons und der Hörgalerie A & V ausgetobt, nun kredenzen sie eine ambitionierte Mixtur aus Ambient, Noise, Krautrock und Psychodelic.

Info: www.prawatt.com , www.nasiono.net , www.eexistence.de , www.d21-leipzig.de

„(…) Der Zusammenstoß mit beruhigend, nostalgischen Landschaften und beklemmendem Lärm, jeglichen Missklang-Massagen, Pfeifen , Rauschen gibt ausgezeichneten – oft unter die Haut gehenden und beunruhigenden stark psychedelischen, und auf der anderen Seite ein wenig grotesken – Effekt. Das Ganze kennzeichnet eine unkonventionelle –rohe, raue aber gleichzeitig voll mit Details, eingearbeitete – Klangschicht.

Flyer: download hier!
Aktuelles: auf facebook!

Das Netzwerk unabhängiger Kunsträume Leipzig-Lindenau wagt ein Experiment und geht auf Reisen: Am Samstag, den 17. Juli 2010, werden die beteiligten Künstlerinnen und Künstler, Kulturwissenschafterinnen und Kuratoren gemeinsam von Leipzig nach Salzburg fahren, um dort zwei Wochen zusammen zu arbeiten, zu gestalten und zu diskutieren. Auf Einladung des Kunstraums Periscope wird in Salzburg ein „ART CAMP Leipzig“ entstehen, bei dem zu jederzeit Gäste willkommen sind. Neugier erwünscht!

Das ART CAMP befindet sich in der Stelzhamerstraße 8 in Salzburg. Dort bieten wir – als Teil einer künstlerischen Intervention – jeden Tag einen Mittagstisch an, zu dem Besucherinnen und Besucher herzlich eingeladen sind. Neben der Möglichkeit mit den Mitgliedern des Netzwerks direkt ins Gespräch zu kommen, gibt es auch eine kleine Lesebibliothek, die an das Café angeschlossen ist und Informationen zu den einzelnen Leipziger Kunsträumen beinhaltet sowie eine Zusammenstellung von Texten zu Themen, mit denen sich das Netzwerk vor Ort auseinandersetzen wird.

Die bereits in Leipzig erprobte Zusammenarbeit des Netzwerks, das mit LindeNOW #1-4 seit zwei Jahren einen gemeinsamen Kunstraumtag im Stadtviertel Leipzig-Lindenau veranstaltet, wird durch die Exkursion nach Salzburg noch einmal auf eine neue Stufe gehoben – gilt es hier nicht mehr nur den halbjährlichen Rundgang zu organisieren und Ausstellungsdaten zu koordinieren – vielmehr werden nun im Rahmen des „ART CAMP Leipzig“, die einzelnen Künstler und Kuratoren aufeinander treffen, um gemeinsam eine Ausstellung zu konzipieren. Dabei treffen verschiedenste Arbeitsweisen aufeinander, der Prozess bestimmt das Ergebnis,

In der Arbeit vor Ort widmet sich das Netzwerk Themen wie Selbstorganisation und Selbstausbeutung, Verortung und Prozessen der Gentrifizierung. Was passiert mit der Kunst, wenn sie aus ihrem gewohnten Umfeld genommen wird? Was passiert mit den Menschen, wenn sie sich dem anderen Ort aussetzen? Kann man eine Insel der Möglichkeiten wie Leipzig-Lindenau mit all ihren Leerstellen und allem Leerstand in eine belebte und dichte Stadt wie Salzburg transferieren?

Das Ende des gemeinsamen Aufenthalts in Salzburg und der Abschied zurück nach Leipzig stellen gleichzeitig den Auftakt für die gemeinsame Ausstellung dar, die am 31. Juli 2010 um 19 Uhr eröffnet wird. Sie wird vom 1.-22. August 2010 in den Räumlichkeiten in der Stelzhamerstraße 8 sowie im Kunstraum periscope (Sterneckstraße 10) zu sehen sein. Die Öffnungszeiten sind Freitag bis Sonntag von 18-22 Uhr (und nach Vereinbarung).

Nähere Informationen unter www.lindenow.de und www.periscope.at.
Ansprechpartnerin für Presseanfragen: Anna Schimkat (presse@lindenow.de)

Gäste: Anna Schimkat, Daniel Windisch, Nahla Küsel, Katrin Weber, Kathrin von Ow, Evelyn Jahns, Paul Bowler, Regine Ehleiter, Rosmary Hogarth, Sophie, Yvonne Chaddé, Tobias Bernet, Katrina Blach, Georg Weißbach, Julius Vogelsberg, Falk Messerschmidt, Benjamin Dörr, Bodo Hansen, Jacob Schneikart, Janett Krückemeier, Anna Mönnich, Anne Rennert

aus den Kunsträumen:
A und V
D21 Kunstraum
Kuhturm
Panipanama
Hinz und Kunz
Ex-lalülala
Ortloff
Fluchtpunkt
die Kassette

9. Juli 2010, 20 Uhr

Am Freitag, den 09. Juli, um 20 Uhr tritt der italienische Soundkünstler Luca Nasciuti, der in London lebt und arbeitet, im D21 Kunstraum Leipzig auf.

Der Komponist, Cellist und Maler wird die beiden Stücke „Ivory“ und „Pan~“ für Cello, Becken und Laptop spielen. Eigens für den Auftritt im D21 Kunstraum Leipzig hat der schottische Videokünstler Alastair Cook den Film „Malin III“ kreiert. Alaistair Cook komponierte zusammen mit Luca Nasciuti den Soundtrack für “Malin III”. Diesen Film werden wir im Laufe des Abends zeigen und Luca Nasciuti wird live den Soundtrack dazu spielen.

Die Kompositionen von Luca sind eindringliche Klanginstallationen, die mit dem Verhältnis zwischen akustischer und elektronischer Musik, live vorgetragenem und aufgenommenem Sound spielen. In seiner Arbeit fasziniert ihn das Unfertige, Abgelegte, Ausrangierte.

Das Stück „Ivory“ beispielsweise besteht aus verworfenen/ aussortierten Lautschnipseln, die er bei einer Cello-Probe aufnahm.  „Pan~“ ist eine Komposition, die Klangbilder zusammenfasst, welche in drei verschiedenen Kirchen aus drei verschiedenen Epochen (Romanik, Renaissance, Barock) aufgenommen worden sind.  Schließlich geht es Luca Nasciuti um das Eintauchen sowohl in visuelle als auch in auditive Welten.

Im Anschluss an die Performance (ca. 80 Minuten) wird es die Möglichkeit geben, Luca Nascuiti Fragen zu stellen. Das Künstlergespräch findet in englischer Sprache statt.

Der Eintritt zur Veranstaltung ist frei.

Hörproben:

Fourth from Alastair Cook on Vimeo.

www.myspace.com/lqaz

www.soundcloud.com/lqaz

http://alastaircook.com/

Abb.: Steve Kwena Mokwena, The memory of the bridge, (Still) 2010

12. bis 25. Juni 2010
Eröffnung: 11. Juni 2010, 19 Uhr
Öffnungszeiten: Donnerstag bis Sonntag, 13 bis 19 Uhr

Eine Ausstellung in Kooperation mit JOBURG FRINGE, ZA.

Am 11. Juni ist es soweit: In Johannesburg eröffnet die erste Fußballweltmeisterschaft auf dem afrikanischen Kontinent. Jenseits eingeübter Vorurteile werfen wir mit einer Ausstellung südafrikanischer Videokunst einen Blick auf das Austragungsland Südafrika und seine Videokunstszene – „private viewing – South African Video Art“ eröffnet pünktlich zum ersten Spieltag.

Zwei Kurzspielfilme beleuchten das Klischee vom „gefährlichsten Land der Welt“ aus unterschiedlichen Perspektiven: „Agter die Berge“ (Kyle Southgate) ist ein moderner Western über die Bandenkriminalität in den Townships. Demgegenüber zeigt „Not My Family“ (Peter Jones), wie sich die Idylle einer weißen Mittelstandsfamilie als Hort sexueller Gewalt entpuppt.

Um die Erinnerung an Gewalt geht es in „The Memory of the Bridge“ (Steve Kwena Mokwena), in dem ein ehemaliger Soldat des Bürgerkrieges in Sierra Leone von den grausamen Morden und Gräueltaten an Zivilisten berichtet. Auch die Videoarbeiten „Gae Lewoba“ (George Mahashe) und „Ukuguqula Ibaty (The Pencil Test)“ (Kemang Wa Lehulere) drehen sich um das Erinnern: Während Mahashe von einer Reise in das Homeland erzählt, treibt Lehuleres Video den „Pencil Test“, eine absurde Methode zur Bestimmung vermeintlicher Rassenzugehörigkeit, auf die Spitze.

Rätselhafter geht es in den Videoarbeiten „The Fridge“ (Robert Weinek) und „Steglitz House“ (Bridget Baker) zu: In „The Fridge“ beobachtet der Zuschauer eine Frau bei seltsamen Vorgängen in ihrer Küche. „Steglitz House“ dagegen erlaubt detailreiche, cineastische Blicke in eine geheimnisvolle Villa. Auf zugleich witzige und gruselige Weise zeigt „Terms of Endearment“ (Johan Thom) die innere Reinigung von „schmutzigen Gedanken“ mit Hilfe einer Kilopackung OMO-Waschpulver.

Im April dieses Jahres wurden einige der Videoarbeiten im Rahmen der unabhängigen Kunstmesse Joburg Fringe in Johannesburg präsentiert. Sie zeigen eine ungewohnte Sicht auf die größte und wildeste Stadt Südafrikas. So begleitet etwa in „Black-Dog-Fire“ (Steve Kwena Mokwena) ein schwarzer Hund den Kameramann auf seinem Spaziergang durch brennende Wiesen auf einem Hügel der Stadt. Und in „Casbah and Back“ (Aryan Kaganof & Nicola Deane) begegnet der Betrachter Migranten auf der Autofahrt zu einem Johannesburger Schnellimbiss.

Begleitend zum Videoprogramm zeigen wir Zeichnungen und Fotografien der südafrikanischen Künstlerin und Kuratorin Claudia Shneider.

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12th till 25th June 2010
Opening: 11th June 2010, 7 pm
Opening Hours: Thursday till Sunday, 1 till 7 pm

An Exhibition in cooperation with the JOBURG FRINGE, ZA.

On the 11th of July 2010 the time will have arrived: Johannesburg plays host to the first World Cup in the continent of Africa. Looking beyond stereotypes, our exhibition of South African video art will shed an alternative light on South Africa, the land of violent conflict, and its video art scene. ‘Private Viewing –South African Video Art’ opens promptly on the first World Cup day.

Two of the short films on display explore and illuminate the clichés of South Africa as ‘the most dangerous land in the world’ from different perspectives: “Agter die Berge” (Kyle Southgate) is a modern Western about gang crime in the Townships, while “Not My Family” (Peter Jones) shows how the ideals of a white middleclass family can emerge as a bastion of sexual violence.

“The memory of the Bridge” (Steve Kwena Mokwena) addresses memories of violence, whereby an ex-soldier who fought in the civil war in Sierra Leone gives a report of the gruesome murders and atrocities committed against civilians. The notion of memory is also central to the video works “Gae Lewoba” (George Mahashe) and “Ukuguqula Ibaty (The Pencil Test)” (Kemang Wa Lehulere). While Mahashe describes a journey to his homeland, Lehulere’s video “The Pencil Test” shows an extreme and absurd method of determining racial identity.

“The Fridge” (Robert Weinek) and “Steglitz House” (Bridget Baker) deal with the cryptic and enigmatic. In “The Fridge”, the viewer merely observes a woman next to a single curtain in her kitchen. “Steglitz House” on the other hand allows for a detailed, cinematic view into a secret-filled Villa. Simultaneously funny and creepy is Johan Thom’s film “Terms of Endearment” which illustrates the inner cleansing of “filthy thoughts” with help from a kilo pack of OMO-washing powder.

All of the exhibited films demonstrate an atypical view of the biggest and wildest city in South Africa. In “Black-Dog-Fire” (Steve Kwena Mokwena) for example, a black dog accompanies the cameraman on his walk through burning fields on a hill in the city and in “Cashbah and Back” (Aryan Kaganof & Nicola Deane) the viewer encounters migrants on a car journey to a snackbar in Johannesburg.

Accompanying the video program are the drawings and photographs by the South African artist and curator Claudia Schneider.

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1

Kemang Wa Lehulere (geb. 1984)
Ukuguqula Ibatyi (The Pencil Test), 2008, DVD, 1:01

Das Video zeigt den Künstler Kemang Wa Lehulere, der sich mit nacktem Oberkörper vor einer Wand stehend einen Bleistift nach dem anderen in sein krauses Haar steckt. Lehuleres bezieht sich in dieser Arbeit auf eine Methode, die zur Bestimmung der vermeintlichen Rassenzugehörigkeit im Südafrika der Apartheit diente: Ob der in das Haar gesteckte Bleistift wieder heraus fiel oder im lockigen Haar festhielt, entschied darüber, ob man als weiß, farbig oder schwarz klassifiziert wurde. Dieser Test wurde in Ermangelung exakter Identifikationsmerkmale als ein Kriterium für die Bestimmung der „Rasse“ gesetzlich festgeschrieben. Stark gekräuseltes Haar galt noch vor der Hautfarbe als wichtigstes Erkennungszeichen der „Schwarzen Rasse“.

Das Moment der Übertreibung in Lehuleres Film verweist auf die Absurdität dieser Methode und die leidvollen Folgen für die „Schwarzen“: Sie wurden nicht nur in allen Lebens- und Arbeitsbereichen benachteiligt, sondern verloren de facto die südafrikanische Staatsbürgerschaft sowie ihr dauerhaftes Wohnrecht und wurden in zumeist abgelegene Wohngebiete zwangsumgesiedelt. Die Vielzahl der Bleistifte in Lehuleres Haar erinnert an die Dornenkrone Jesu, die der Geste eine ikonografische Dimension verleiht.

2

Bridget Baker (geb. 1971)
Steglitz House, 2009–2010, Digitale Kopie auf DVD von 16-mm-Film (s/w), 9:00

In „Steglitz House“ schwebt eine Kamera durch das Portal in eine geheimnisvolle Villa, während Musik des Komponisten Braam du Toit eine ruhige, aber äußerst gespannte Stimmung erzeugt. Durch die Linse der Kamera streift der Blick langsam von Zimmer zu Zimmer, ohne auf die Bewohner des Hauses zu stoßen. Dennoch sind sie in den Einrichtungsgegenständen präsent: Im gedeckten Frühstückstisch und in den persönlichen Dingen. Dabei schillert die Atmosphäre des Films zwischen der Behaglichkeit des schützenden Heims und einer diffusen Bedrohungssituation.

Die Filmemacherin, Objekt- und Performancekünstlerin Bridget Baker lebte 2009 in Berlin, wo sie im Stadtteil Steglitz das Miniaturmuseum Arikalex entdeckte. Die Villa ist eine der dort gezeigten Miniaturen und die akribische Rekonstruktion eines Westberliner Vorstadt-Hauses der 1930er Jahre. Baker integrierte persönliche Objekte in die Miniatur: Ihren südafrikanischen Pass und Fotografien ihres Vaters, den sie bereits im Alter von 5 Jahren verlor. Der Verlust des Vaters sei laut Bridget Baker eine Entwurzelungserfahrung, die durch das Unrecht im Südafrika der 1970er und 1980er erschwert wurde. In ihrer Kunst versucht Baker persönliche und historische Spuren wiederzufinden und bekannte Erzählungen zu verändern, wobei Scheitern, Vergessen, Entwurzelung und Flucht ihr als Pfade gelten, um diese Spuren zu entdecken. So erscheint in „Steglitz House“ einen kurzen Augenblick lang eine Aufnahme aus dem Jahr 1958, die das Haus ihrer Kindheit in East London (Südafrika) zeigt. Stilistisch lehnt sich der Film an cineastische Ikonen wie „Nummer Siebzehn“ (1932) von Alfred Hitchcock (1899-1980) und „Stalker“ (1979) von Andrei Tarkowski (1932 -1986) an.

3

Steve Kwena Mokwena
Black-Dog-Fire, 2009, DVD, 3:40

In „Black-Dog-Fire“ begleitet die Kamera des Avantgarde-Filmemachers, Historikers, Malers und Kurators Mokwena den Hund Wena bei seinem Streifzug über die Hügel rings um Johannesburg. Der Name Wena bedeutet „Du“ in der Sprache IsiZulu. Der Weg Wenas über die Hügellandschaft streift viele kleine Rasenbrände, die sich jeden südafrikanischen Winter im strohtrockenen Gras selbst entzünden oder von Brandstiftern gelegt werden. „Häufig frage ich mich, was Wena wohl über diese verrückte Stadt denkt“, kommentiert Mokwena sein Video selbst.

Während dieses Spaziergangs an einem Nachmittag ist der afro-amerikanische Spiritual-Song „Motherless Child“ (deutsch: Mutterloses Kind) zu hören. Das Lied stammt aus der Zeit der Sklaverei in den Vereinigten Staaten von Amerika, als es üblich war, Kinder von ihren versklavten Eltern zu trennen und weiter zu verkaufen. Das Lied vermittelt Trauer, Einsamkeit, Heimweh und Hoffnung eines Heimatlosen, der mutterseelenallein in der Welt, aber nicht gottverlassen ist. Der Ausdruck „mutterloses Kind“ steht als Metapher für Menschen, die sich nach Hause sehnen – zuhause: Das ist die Familie, Afrika, der Himmel. Das Gedicht „Telegraph to The Sky“ (deutsch: Telegramm für den Himmel) des südafrikanischen Schriftstellers Sandile Dikeni (geb. 1960) inspirierte den Künstler zu diesem Film.

4

Steve Kwena Mokwena
The Memory of The Bridge, 2010, DVD, 4:17

„The Memory of The Bridge“ ist eine Episode aus Mokwenas neustem Film „Driving with Fanon“ (2010). In dem Genremix zwischen Dokumentarfilm, Musik- und Kunstvideo begibt sich Mokwena gemeinsam mit dem Journalisten und Schriftsteller Lansana Fofana auf die filmische Reise durch Freetown, der Hauptstadt Sierra Leones, und reflektiert am Beispiel der Gräueltaten des sierra-leonischen Bürgerkrieges über Gewalt. An der Seite Mokwenas und Fofanas reist immer auch der Geist von Frantz Fanon (1925–1961): Der Psychiater und radikale Vordenker der Entkolonialisierung entwarf in seiner berühmtesten Schrift „Die Verdammten dieser Erde“ (1961) die Vision einer gewaltsamen, sozialistischen Revolution in Afrika zur Befreiung der kolonialisierten Völker von Unterdrückung und Rassismus. Der Idee einer anti-kolonialen Revolution steht in „The Memory of The Bridge“ die grausame Realität des Bürgerkrieges in Sierra Leone (1991–2001) gegenüber, in dem die Rebellenorganisation „Revolutionary United Front“ (RUF) gegen die Armeen der Regierung mit dem Ziel kämpfte, die Kontrolle über die zahlreichen Diamantenminen zu erlangen. Der Kriegsveteran Victor Cole beschreibt eine Reihe von Kriegsverbrechen, die auf einer Brücke verübt wurden. Bei der Aufzählung der grausigen Fakten kann er trotz Mühe seine Gefühle nicht vollständig unterdrücken. Diese Unterbrechungen werden zu Platzhaltern für Grausamkeiten, vor denen selbst die Sprache zurück weicht.

5

George Mahashe (geb. 1982)
Gae Lebowa, 2010, DVD, 9:01

In „Gae Lebowa“ erzählt der südafrikanische Fotograf George Mahashe über eine Reise in sein Homeland, auf der basierend die gleichnamige Fotoserie entstand. Gae stammt aus der Sprache der Pedi und bedeutet „zu Hause“ oder auch „Heimat“. Lebowa bedeutet „Norden“, es ist aber auch die Bezeichnung eines Homelands im Nordosten Südafrikas. Die sogenannten Homelands wurden als ein Instrument der territorialen und sozialen Segregation vom Apartheit-Regime eingerichtet und mit einer scheinbaren Unabhängigkeit ausgestattet. In „Gae Lebowa“ begibt sich Mahashe auf die Spuren seiner Vergangenheit in den Norden Südafrikas. Er fotografierte alte Männer und Frauen, die für ihn die Weisheit seiner Vorfahren verkörpern.

Der Film endet mit einem Lobgesang, der die physische und geistige Herkunft Mahashes in der Tradition afrikanischer Geschichtenerzähler erklärt. Mahashe schreibt über diese Tradition: „Der Geschichtenerzähler bewahrt nicht nur die Vergangenheit, sondern auch die Zukunft. In meinem Verständnis von mündlicher Überlieferung tritt sie nie aus dem stetigen Fluss der Zeit heraus. Die Erzählung versucht vergangene Lösungen für immer wiederkehrende Fragestellungen darzustellen. So steuert der Erzähler die Geschichte und legt den Kurs für die Zukunft fest.“

6

Aryan Kaganof (geb. 2001) & Nicola Deane (geb. 1979)
Casbah and Back, 2002, DVD, 7:33

Nach dem Erscheinen seines ersten Romans „Hectic“ 2001 zelebrierte der in Johannesburg geborene Autor, Filmemacher und Performancekünstler Ian Kerkhof den Tod seiner alten Identität und seine filmische Wiedergeburt unter dem Namen Aryan Kaganof. Dieses Identitätskonstrukt ist ein Projekt der ebenfalls vom Künstler initiierten „African Noise Foundation“ (ANF). Im Rahmen der ANF verfasst Kaganof in wechselnden Kooperationen mit anderen Künstlern Gedichte, produziert Filme und veröffentlichte 2005 ein Dub-Musikalbum. Die ANF befasse sich, so Kaganof, mit der „Deformation und Verleumdung von Identität“.

Das Video „Casbah and Back“ entstand 2002 in Zusammenarbeit mit der südafrikanischen Objekt- und Performancekünstlerin Nicola Deane. Der Film zeigt die Autofahrt zu einem Johannesburger Drive-in-Restaurant namens Casbah. „Kasbah“ bedeutet Zitadelle, die arabische Bezeichnung für den festungsartig umbauten historischen Kern vieler nordafrikanischer Städte. Auf Grund der vielen mächtigen, mit Stacheldraht bewährten Mauern könnte man Johannesburg als die Stadt der Zitadellen bezeichnen. Die Angst vor Gewalt ist auch heutzutage in den südafrikanischen Städten allgegenwärtig, sie ist das Bindeglied der Einwohner unterschiedlicher Herkunft und sozialer Zugehörigkeit. Südafrika ist nach wie vor tief gespalten, obwohl es die Politik der Rassentrennung seit 16 Jahren nicht mehr gibt. Neue Mauern entstehen in den Köpfen der Menschen. So erinnern Porträts afrikanischer Migranten in „Casbah and Back“ an die wachsende Fremdenfeindlichkeit in Südafrika, die 2008 in grausamen Ausschreitungen gegen Migranten in den Johannesburger Townships gipfelte. Die einzige Szene, die nicht in Johannesburg, sondern in Pretoria aufgenommen wurde, zeigt Polizisten, die den Zugang zu einem Monument Johannes Gerhardus Strijdoms (1893–1958) abriegeln. Dieses Monument für einen der geistigen Architekten der Apartheid wurde 2001 unter mysteriösen und nie aufgeklärten Umständen völlig zerstört.

7

Robert Weinek (geb. 1964)
The Fridge. A story about beeing trapped, Digitale Kopie auf DVD von 16-mm-Film (s/w), 9:35

Die Arbeit des südafrikanischen Filmemachers und Kurators Peter Weinek erinnert an einen Kurzfilm von Peter Mullan mit dem Titel „Fridge“ (1995). Darin versucht ein obdachloses Paar einen in einem alten Kühlschrank gefangenen Jungen zu befreien. In Weineks Film dagegen bleibt unklar, wer hier in der Falle sitzt. Ist es die Frau im Abendkleid, die der Zuschauer bei rätselhaften Vorgängen in einer Küche beobachtet? Sie brät ein Ei und tanzt allein. Doch nicht sie steht im Zentrum des Geschehens, sondern ein Kühlschrank. Nach und nach betreten unterschiedliche Herren die Küchekulisse. So betritt ein Mann in Abendgarderobe den Raum, doch wider Erwarten holt er nicht die Frau, sondern den Kühlschrank ab. Welches Geheimnis verbirgt der Kühlschrank? Ein anderer Mann fällt beim Blick in das Innere sofort in Ohnmacht. Als die Männer das Gerät zum zweiten Mal aus der Küche tragen, packt die Frau hastig ihren bereit stehenden Koffer und verlässt den trostlos und leer wirkenden Ort.

8

Johan Thom (geb. 1976)
Terms of Endearment, 2007, DVD, 4:49

„Terms of Endearment“ (deutsch: Zeit der Zärtlichkeit) des Video-, Performance-, Objektkünstlers Johan Thom besteht aus einem fiktiven Brief an die Hersteller von OMO-Multi-Active-Waschpulver und einem Video. Darin muss der Betrachter auf beinahe körperlich schmerzhafte Weise mit ansehen wie sich eine maskierte Gestalt eine Packung des Waschpulvers in den Rachen und über den Oberkörper schüttet. Der Brief erklärt den gruseligen Vorgang: Der Verfasser habe die Reinigung von seinen „schmutzigen Gedanken“ durch das Produkt erlebt und wolle sich nun für die wiedergefundene Fähigkeit bedanken, ein angepasster Bürger zu sein. Die Sprache des Briefes bewegt sich auf dem Grad zwischen witziger Übertreibung und ernsthafter Kritik. Sie richtet sich gegen die Forderung, das Individuum solle das reibungslose Funktionieren der Gesellschaft ermöglichen, ohne diese jedoch selbst aktiv mitgestalten zu können.

9

Kyle Southgate (geb. 1987)
Agter die Berge (Behind The Mountains), DVD, 2009, 25:00

„Agter die Berge“ erzählt die klassische Geschichte eines jungen Gangmitgliedes, das in einen inneren Konflikt zwischen der Loyalität zu seiner Gang und den eigenen Gefühlen sowie Auffassungen vom richtigen Handeln gerät. Die Geschichte entfaltet sich vor der Realität einer marginalisierten, verarmten Gegend in Kapstadt südlich des Zentrums, den Cape Flats, bekannt als die „Müllkippe der Apartheit“: Daniel Moses erhält den Auftrag für seinen ersten Mord von einer in den Cape Flats agierenden Gang. Obwohl Daniel von seinem Cousin und Mentor Louis begleitet wird, versagt er in dessen Augen. Louis schickt ihn daraufhin aus der Stadt, „hinter die Berge“, um sich zu verstecken. Dort trifft Daniel die dem Christentum verpflichtete Familie Solomon, die ihm Unterschlupf gewährt. Doch sie verbirgt ein Geheimnis, das Daniel vor eine mörderische Wahl stellt.

Der Film wurde innerhalb von 10 Tagen gedreht und brachte die Crew eng zusammen. Er war Teil Kyle Southgates Abschlussprojektes an der AFDA, einer privaten Filmschule in Kapstadt.

10

Peter Jones (geb. 1988)
Not my family, DVD, 2009, 12:00

Peter Jones arbeitet als unabhängiger Filmemacher und Regisseur von Musikvideos. Thema seines Filmes „Not my family“ ist die Verheimlichung von innerfamiliärer, sexueller Gewalt: Als André, Sohn einer weißen Mittelstandsfamilie, entdeckt, dass der Vater seine Schwester sexuell mißbraucht, spricht er die Mutter auf den Missbrauch an. Diese weiß offenbar davon, streitet aber alles ab. Auch der Versuch Andrés, Anzeige zu erstatten, scheitert an der Loyalität des Polizisten mit der Familie. Die Situation eskaliert, als André auch den Vater zur Rede stellt. Dieser droht ihm damit, sein Leben zur Hölle zu machen. Kurz darauf fliehen André und seine Schwester im Auto der Eltern.

Peter Jones gelingt es eindrücklich, die kalte Atmosphäre des Schweigens und der Entfremdung zu schildern, die sich hinter der harmonischen Fassade einer bürgerlichen Familie und scheinbar behüteten Kindheit verbirgt.

11

Claudia Shneider (geb. 1961)

showmasters, Joburg, Fotografie, 2009
World Cup (good buy), Aquarell auf Leinwand, 2006
Ball for all, Aquarell auf Papier, 2002
All balls, Joburg, Aquarell auf Papier, 2010
We are the World – showmasters III, Aquarell auf Papier, 2008
Becoming a flag, Berlin, Aquarell auf Papier, 2009
Fridge, Joburg,Aquarell auf Papier, 2010
showmasters, good buy, Joburg, Aquarell auf Papier, 2010

Die Malerin, Objektkünstlerin und Kuratorin Claudia Shneider zeigt Arbeiten auf Papier und Leinwand. Darin setzt Shneider mit scheinbar spontanen Pinselstrichen merkwürdige Motive auf das Blatt, meist nur in Umrissen angedeutet und oft kontrastiert mit aquarell-artig gemalten Farbflächen. Dadurch erhalten ihre Zeichnungen den Eindruck von Fragilität und Leichtigkeit.

Der Sinn dieser Bilder entfaltet sich zwischen ihrem Titel und dem Motiv. So schreibt Andreas Strobel 2004: „Shneiders Zeichnungen geben anhand ihrer Titel vor, im traditionellen Sinne etwas darzustellen. Das führt zu Überraschungen. Denn sie malt zwar zum einen benennbare Dinge zum anderen aber auch solche, denen erst sie den Namen gibt.“ So referiert etwa „World Cup (good buy)“ von 2006 einerseits auf die 18. Fußballweltmeisterschaft, bei der die südafrikanische Nationalmannschaft bereits in den Qualifikationsspielen ausschied. Zum anderen verweist das Motiv der Blechtasse auf eine Kindheitserinnerung, die die Künstlerin vielleicht mit vielen weißen Südafrikanern teilt. Die Künstlerin sagt: „Jede schwarze Nanny hatte eine solche Tasse, die die Spuren ihres Gebrauchs deutlich zeigt.“ So birgt die Welttasse eine ganze Welt von Erinnerungen.

Für die komplette TRYPPS-Serie hat B.Russell den “New Vision Award” beim Copenhagen International Documentary Festival 2009 bekommen.

Black and White Trypps Number One
06:30, 16mm, Schwarz-Weiss, 2005
Was wie Staub auf der Leinwand aussieht, sind hypnotisierende Bewegungen, die an handgemaltes Avantgarde-Kino erinnern und natürlich durch direkte Behandlung des Filmmaterials -ohne Belichtung- erzeugt wurden.

Black and White Trypps Number Two
09:00, 16mm, Schwarz-Weiss, 2006
In einem Wald sind nicht nur Bäume, auch Figuren und Objekte die eigentlich schwer wahrzunehmen sind. Der Film zeigt ein Welt, wo es gleichzeitig da und auch unsichtbar ist.

Black and White Trypps Number Three
11:30, 35mm, Farbe, 2007
Eine hypnotische Aufnahme die aussieht, wie das beste Noise-Rock Konzert auf der Erde von der Band Lightning Bold aus Rhode Island.
“…ein filmisches Porträt der säkularen Verzückung, die zurückführt zu den großen Gemälden von Tizian und Caravaggio.” – Michael Sicinski, Green Cine Daily

Black and White Trypps Number Four
10:30, 16mm, Schwarz-Weiss, 2008
Was einem vorkommt wie ein Flacker-Chaos, ja fast ein Rorschach-Übergriff, zeigt am Ende den verstorbenen Afro-amerikanischen Standup Komiker Richard Pryor. “Jesus Christ, look at the white people, rushing back. White people don’t care, Jack…” – Richard Pryor

Trypps #5 (Dubai)
03:00, 16mm, Colour, 2008
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“A short treatise on the semiotics of capital, happiness, and phenomenology under the flickering neon of global capitalism.” Ben Russell

Trypps #6 (Malobi)
12:00, 16mm, Farbe, 2009
In dem Marron Dorf Malobi in Suriname, Südamerika ist eine Feier angesagt.
Der Film ist in einer Aufnahme ohne Schnitte gedreht und verweist klar auf Jean Rouch. Es ist Halloween am Equator, ein Andrej Tarkowskij am Dschungel-Set.
“…this single-take film offers a strikingly contemporary take on a Jean Rouch classic. It’s Halloween at the Equator, Andrei Tarkovsky for the jungle set.”

Ben Russell (USA, 1976) ist nicht nur ein (inzwischen) weltbekannter Experimentalfilmemacher, er ist der Grund warum D21 und Filmgalerie Alpha60 2007 mit den monatlichen Screenings angefangen haben. Ben Russell brauchte einen Ort in Leipzig, um seine und Jonathan Schwarz Filme zu zeigen. Daraus entstand die Veranstaltung: Reihe Experimentalfilm.

B. Russell ist Medienkünstler, Kurator und Experimentalfilmemacher. Seine Filme drehen sich sehr oft um Themen wie Ethnographie, Strukturalismus und psychedelische Zustände. Seine Ausstellungen, Performances und Filme sind um die Welt gereist, er hat seine Filme als Soloprogramm zum Rotterdamer Filmfestival und im Museum of Modern Art gezeigt, ein Guggenheim-Stipendium bekommen und für seine Filme einige Preise erhalten.

Kurz vor seinem Besuch in Leipzig dieses Jahr, wird er am Berlin Documentary Forum am Haus der Kulturen der Welt teilnehmen – wo auch die Deutschlandpremiere von seinem ersten Langfilm Let Each One Go Where He May stattfinden wird.

Jetzt wird Ben Russell zum 4.Mal bei uns etwas zeigen (zwei Mal hat er in Leipzig ein Film-/ Performence-Programm gezeigt und 2007 das Filmprogramm The Imminent Faliure Show kuratiert). Wir werden seine preisgekrönte Filmserie TRYPPS im D21 zeigen und sein Debütlangfilm Let Each One Go Where He May wird im Sommerkino auf Feinkost als Leipzig-Premiere zu sehen sein.

An beiden Abenden wird es eine Einführung geben und Ben Russell wird anwesend sein und es gibt ein Filmgespräch danach.

Ben Russell
Let Each One Go Where He May

Mittwoch, 9. Juni, 21:30 Uhr, Sommerkino auf der Feinkost
Karl Liebknecht Str. 36

4/5 Euro

Ben Russell (USA, 1976) ist nicht nur ein (inzwischen) weltbekannter Experimental-filmemacher, er ist der Grund warum D21 und Filmgalerie Alpha60 2007 mit den monatlichen Screenings angefangen haben. Ben Russell brauchte einen Ort in Leipzig, um seine und Jonathan Schwarz Filme zu zeigen. Daraus entstand die Veranstaltung: Reihe Experimentalfilm.

B. Russell ist Medienkünstler, Kurator und Experimentalfilmemacher. Seine Filme drehen sich sehr oft um Themen wie Ethnographie, Strukturalismus und psychedelische Zustände. Seine Ausstellungen, Performances und Filme sind um die Welt gereist, er hat seine Filme als Soloprogramm zum Rotterdamer Filmfestival und im Museum of Modern Art gezeigt, ein Guggenheim-Stipendium bekommen und für seine Filme einige Preise erhalten.

Kurz vor seinem Besuch in Leipzig dieses Jahr, wird er am Berlin Documentary Forum am Haus der Kulturen der Welt teilnehmen – wo auch die Deutschlandpremiere von seinem ersten Langfilm Let Each One Go Where He May stattfinden wird.

Jetzt wird Ben Russell zum 4.Mal bei uns etwas zeigen (zwei Mal hat er in Leipzig ein Film-/ Performence-Programm gezeigt und 2007 das Filmprogramm The Imminent Faliure Show kuratiert). Wir werden seine preisgekrönte Filmserie TRYPPS im D21 zeigen und sein Debütlangfilm Let Each One Go Where He May wird im Sommerkino auf Feinkost als Leipzig-Premiere zu sehen sein.

An beiden Abenden wird es eine Einführung geben und Ben Russell wird anwesend sein und es gibt ein Filmgespräch danach.

FILME:
Let Each One Go Where He May
135:00, 16mm, Farbe, ohne Dialog, 2009

“This is how we’ve heard it: during slavery, there was hardly anything to eat. They would whip you until your ass was burning, then they would give you a bit of plain rice in a bowl. And the gods said, they said that this is no way for human beings to live. The gods would help them. ‘Let each one go where he may.’ So they ran.” – Lantifaya, Masiakiiki, Suriname, 1973

Ben Russells erster Langfilm ist etnographisch, ein sehr persönlicher Film, ein historischer Film, zu einem gewissen Teil ein Dokumentarfilm und ein Experimentalfilm. Es ist von all dem etwas und wiederum keines davon; es ist ein Film, wo man nicht so schnell einen Vergleich finden kann.

Der Film hat eine klare Struktur und ein festgelegtes Setting. Wir befinden uns in Suriname und wir folgen den zwei Saramaccaner Maroons Brüdern Monie und Benjen Pansa auf ihrer Reise durch den Dschungel. Der Film besteht aus 13 Takes, die jeweils 10 Minuten lang sind, wobei innerhalb von einem Take kein Schnitt gemacht wurde (ca die Länge einer 16mm Filmrolle). Jede Szene zeigt einen Teil von dem Pfad den ihre Vorväter, die Sklaven 1863 gegangen sind, als sie vor den Eroberern (in diesem Fall die Niederlande) geflogen sind. Es gibt keinen Dialog im Film und die Kamera fokusiert immer einen der beiden Brüder.

Für Let Each One Go Where He May hat B. Russell den “FIPRESCI Award”, International Film Festival Rotterdam und “Grand Permio / Große Preis”, Punto de Vista, Pamplona, Spanien erhalten.

Christian Schmidt (Archiv der Jugendkulturen)
Marie Lammers (Grafikdesignerin, Berlin)
Oliver Kielmayer (Kunsthalle Winterthur)
Alain Bieber (Gute Seiten, Hamburg)
Jan Wenzel (Spector Books, Leipzig)
Urs Lehni (Rollo press, Zürich) & Stefan Marx (Lousy Livin, Hamburg)

Ausstellung und Symposium werden vom Kulturamt Leipzig, der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen und der Schweizer Kulturstiftung ProHelvetia gefördert.

Öffnungszeiten: Do – So von 13-19 Uhr

Eröffnung: 7. Mai 2010, 19 Uhr,

mit Performance der Ladies of the Press*

Symposium: 8. Mai 2010, ab 13 Uhr

Finissage: 30. Mai 2010, ab 17 Uhr, Präsentation der Workshop-Ergebnisse

Download Programmheft

Der D21 Kunstraum widmet sich in einer Ausstellung im Mai 2010 dem Phänomen der Art Zines – Künstlerpublikationen im Magazinformat, die in mehr oder weniger regelmäßigen Abständen entweder gedruckt oder als Onlineversion im Netz erscheinen. So unterschiedlich wie ihre Macher sind auch Inhalte und Gestaltungsansätze. Häufig werden für eine Ausgabe eigene oder gefundene Fotos, Zeichnungen und Texte neu zusammengefügt. Schwarz/weiß – in Farbe, geheftet – gebunden, schnell kopiert oder in mühevoller Handarbeit – die Hefte sind Kunst. Und Kult.

In ihrer improvisiert wirkenden Ästhetik erinnern viele Zines an die Do-It-Yourself-Bewegung der 70er Jahre, als sich vor allem in England und den USA die Alternativbewegung des Punk formiert hat: Die Fanzines dieser Zeit brachten Themen zur Sprache, die in den Mainstream-Medien keine oder nur unzureichend Berücksichtigung fanden. Die Hefte wurden selbstorganisiert verteilt und konnten durch die neue Kopiertechnik erstmals einfach und günstig in großer Zahl vervielfältigt werden.

Diese Idee der unabhängigen Untergrundpublikationen aufgreifend, produzieren zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler weltweit heute wieder verstärkt Zines. Online-Shops und E-Galleries haben den Zugriff auf Publikationen weltweit erleichtert, Verbreitungswege und Kommunikationskanäle sind angesichts neuer technischer Möglichkeiten im Wandel, doch kann sich die Druckversion angesichts zunehmender Digitalisierung noch behaupten? Welchen Reiz hat das gedruckte Heft? Mehr als 300 Ausgaben aus 24 Ländern, die uns im Rahmen eines Open Call zugesandt wurden, sind von 8. – 30. Mai 2010 in den Galerieräumen des D21 Kunstraums zu sehen.

Die Konzeption der Ausstellungsgestaltung erfolgte durch Sandy Hofmann, Ina Kwon, Franziska Leiste und Henrik Rossbander aus der Klasse für System-Design von Prof. Oliver Klimpel, Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig. Kuratiert von Regine Ehleiter

Rahmenprogramm zur Ausstellung:

PERFORMANCE: 7. Mai 2010, 19 Uhr

Die Londoner Künstlerinnen Ana Čavić and Renée O’Drobinak (The Ladies of the Press*) machen zum Auftakt der Ausstellung mit ihrer Performance-Reihe „Live Press“ im D21 Kunstraum Station. Dabei entsteht im Laufe des Abends ein improvisiertes Zine mit Fotos, Texten, Interviews, Zeichnungen – „and any other quirk that we deem fit.“ www.ladiesofthepress.org/

SYMPOSIUM: 8. Mai 2010

Veranstaltungsort: D21 Kunstraum

Keine Anmeldung erforderlich. Eintritt frei

13 Uhr          Christian Schmidt (Archiv der Jugendkulturen)

14 Uhr          Marie Lammers (Grafikdesignerin, Berlin)

(Pause)

15.30 Uhr     Oliver Kielmayer (Kunsthalle Winterthur)

16.30 Uhr     Alain Bieber (Gute Seiten, Hamburg)

(Pause)

18 Uhr          Jan Wenzel (Spector Books, Leipzig)

19 Uhr          Urs Lehni (Rollo press, Zürich) & Stefan Marx (Lousy Livin, Hamburg)

20.30 Uhr     Abschlussdiskussion (Moderation: Verena Kuni, Frankfurt/M.)

WORKSHOPS

Spector cut+paste Markus Dreßen, Jan Wenzel

Samstag, 29. Mai 2010, 11-18 Uhr

Sonntag, 30. Mai 2010, 11-18 Uhr

Spector cut+paste ist der Titel der Zeitschrift, die Markus Dreßen, Anne König und Jan Wenzel im Jahr 2001 gegründet haben. Techniken des Cut+Paste, des Ausschneidens und Neueinsetzens, auszuprobieren, wird das Thema des Workshops sein. Wie kann man aus vorhandenen Formen und Konzepten etwas Eigenes formulieren? Welche Rolle spielt Aneignung heute für Publizistik und Grafik-Design? Anmeldung über eine Liste im D21 Kunstraum oder telefonisch unter (0341) 6796190. Max 15 Teilnehmer.

Sag es laut! Workshop für Jugendliche (Constanze Müller, Susanne Rabe)

Freitag, 14. Mai 2010, 16-19 Uhr

Freitag, 21. Mai 2010, 16-20 Uhr

Samstag, 22. Mai 2010, 11-16 Uhr

Meine Stadt, mein Bezirk, mein Viertel, meine Welt. Wie sieht es aus, Dein Lindenau? Wo hältst Du Dich am liebsten auf? Was stört Dich und was möchtest Du vielleicht verändern? Sag es laut! Es darf fotografiert, getextet, gezeichnet, geklebt, kopiert werden. Damit Dich möglichst viele Menschen hören, verbreiten wir das Magazin anschließend überall im Stadtteil. Für Jugendliche von 14 bis 18 Jahren. Max. 10 Teilnehmer. Anmeldung: artzine_eins.zwei@yahoo.com

BETEILIGTE KÜNSTLER

0 0 0 x, 0_100, 213 Magazin, 4478zine, A5 Magazine, Album, Alice, Robert Amador, An Endless Supply, Art Bureau, Astidromos, Craig Atkinson, atreemagazine, Automatic Books, Back Seat, bareface, Bedford Press, Vanessa Berry, B.I.P., Black Dog, Blackpages, Roald de Boer, Dafne Boggeri, Bon Bon Büro, Bonne Response, Louis Bouvier, Ingrid Burrington, C100 Puple Haze, Cake, Cantanker, Caroline Cesareo, Clor, Melanie Coles, Criticism, Sara Cwynar, Daniela Djukic, Decoder Ring, Isabelle Demers, Tim Devin, die nacht, Camilla Candida Donzella, Michael Duckett, Dynasty Zine, Alexander Egger, Ein Magazin über Orte, Daniel Entonado, errore zine, eye catcher, Fan, Fuego Fanzine, Cathy Feiss, Flaneur, Folklore of the Orientalists, Forth Thread, Chri Frautschi, fraufranz, freeman’s journal, Freio, Frenesi Zine, Katharina Fricke, Daisy Gam, GAS, Mathieu Gillot, Elizabeth Graeber, Aurelie Guerinet, Guest Room, Heft 3000, Hello Zine, Hobby Horse, Holly Holly Hobby Hobby, Homelovin’, innenzines, Impulsive Random Platform, Izrock Pressings, J-BOP, Ewan John, John Hughes Highschool, Erik T. Johnson, Journal Illustratif, Noah Kalina, Matt Kay, John Keene, Klebstoff, kids in misery zinez, Michael Kim, Nora Krug, Shawn Kuruneru, Marie Lammers, Las Crudas, Laser Magazin, Le Megot, Luke You, Mark Price Is A Factory, Made in China, Jacopo Miliani, Milk & Eggs, nada21, Naiv Super Book, Nieves, Nude Paper, Occulto, Priyanka Pandit, Peep Zine, Pidgin, pigiarniq/paper, Nikholis Planck, Preston is my Paris, Provence, Public Illumination Magazine, Rang & Namen, Andrew Reaney, Eva Rekade, Replicamag, RRR, savagemessiahzine, Louis M. Schmidt, Sebastian Schwamm, SchwarzHandPresse, Schwarzweiss, Sofie Schweizer, Chris Seddon, Ulrike Seitz, Mark Sonnenfeld, Spaghetti Suicide, Strohhalm Zine, studio tabaramounien, Superficial Images, Allen Taylor, tav, Ramaya Tegegne, Erkut Terliksiz, The Institute of Social Hypocrisy, The Kingsboro Press, The La-La Theory, The Love City Success Story, The Switchblade Seven, Travelogue, Tudor Zine, Adam Uchytil, Julia Vecsei, Alexander Verevkin, Jaqueline Wagner, un demi zine, Walnut Street Stories, Wandertag

SONSTIGE VERANSTALTUNGEN

• Die (Pop Up Messe am 7. und 8. Mai im Werk II bietet auch in diesem Jahr wieder Web- und Fanzines eine Plattform, um sich vorzustellen. Mit dabei sind unter anderem „Persona Non Grata“ und „Trust-Fanzine“.

• Im Mzin – Buchhandlung und Galerie für Grafik, Kunst und Pop (Paul-Gruner-Str. 64) gibt es am 8. Mai einen Labelabend mit Disko B, Klangbad und Staubgold. Die nächste Ausstellung von Jan Flow und Olav („I want to know more asshole“) läuft vom 12. Mai bis 8.Juni.

• Empfehlenswert: die Ausstellung „Bernhard Cella. Salon für Kunstbuch. Ein Kunstwerk als Unternehmen“ in der Galerie für Zeitgenössische Kunst.

• Unter dem Motto „Druckkunst 2.0“ laden die Leipziger Typotage am 8. Mai ins Museum für Druckkunst (Anmeldung erforderlich).

• Lindenow, der gemeinsame Rundgang des Netzwerks unabhängiger Kunsträume in Leipzig-Lindenau, findet das nächste Mal am 14. Mai 2010 statt.

Ausstellung und Symposium werden vom Kulturamt Leipzig, der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen und der Schweizer Kulturstiftung ProHelvetia gefördert.